The songwriter's reviews

(Primera foto por: Pablo Santillana, el resto de las fotos por: Germán García)

Nightwish es una de esas bandas que fácilmente podrían tocar en recintos con capacidad para 5 mil espectadores o más, y sin embargo prefieren tocar en lugares pequeños donde puedan sentir el calor de su público. Y a su público le gusta sentir empujones, torteadas y sudor de otras personas en su cara todo por ver a su banda en vivo. Aunado a esto, en México nunca faltan los espectadores que quedaron atrapados en tercero de secundaria y que creen que hacerse los graciosos los hace mejores personas. Esto sólo haciendo que la espera de dos horas adentro del salón 21 fuera casi insoportable.

Afortunadamente unos minutos pasados las ocho y media de la noche la tortuosa espera terminó, y Jukka, Emppu, Toumas y Marco saltaron al escenario, seguidos de la divina Anette Olzon.

Abrieron con Bye Bye Beautiful y el recinto entonó el coro religiosamente, sí, hasta los Tarjistas fundamentalistas cantaban como quinceañeras en un concierto de Mecano el coro que fue escrito para despedir a la que fuera vocalista de la banda. El sonido fue malo como sólo el sonido del Salón 21 puede ser; por momentos se escuchaban más los gritos y cantos de las personas que Anette misma.

Después de la primera canción Anette se dirigió a nosotros y pidió la disculpáramos por el hecho de que no habla español, yo la disculpé también por el hecho de que masticara el inglés. Introdujo la siguiente canción y siguieron con Dark Chest of Wonders canción que para ser sinceros no es de mis favoritas pero en vivo se sintió espectacular, y me gustó cómo la interpretó Anette. La tercera canción que tocaron la noche del sábado sí es una de mis favoritas: Whoever Brings the Night, misma que disfruté mucho y que incluso olvidé lo patético que llegaba a ser el sonido en ocasiones. Anette era impresionante, sabe mantener al público atento y tiene un carisma y una presencia escénica que dejaron ver su valía dentro de la banda.

Así la banda siguió con una de las canciones favoritas entre el público, hablo de The Siren, canción que sobrepasó mis expectativas sobre Anette cantando las canciones que eran de Tarja originalmente. Realmente supo ejecutarla bien y a su manera sin tratar de imitar a nadie. Posteriormente vino la canción a la que hay que culpar por ver niñas de 12 años haciendo fila para el concierto: Amaranth. Aunque eso no impidió que el recinto entero entonara el coro, tanto que incluso los cantos del público sobrepasaban en decibeles al sonido del lugar.

La banda se retiró, y la iluminación cambió a un tono azuloso y bastante tenue. Poco después regresaría el buen Marco con una guitarra acústica en mano, ya sabía de qué se trataba, iban a tocar The Islander. Ésa era una de las razones por las que había soportado dos horas adentro del Salón 21, y no me defraudó, fue para mí la mejor canción de la noche. Misteriosamente, esta canción no fue tan coreada como la anterior. Lamentablemente Anette cometió algo que hizo un tanto agridulce aquél apoteósico momento: se puso un sombrero de Charro…

En fin, sobrevino una canción que musicalmente es inconmensurable, The Poet and the Pendulum. La voz de Marco fue impecable, y en general la canción fue ejecutada bastante bien en vivo. Vaya, fueron trece minutos de cielo, aunque no pierdo la esperanza de verla en vivo con una orquesta, y con un mejor sonido.

Las siguientes dos canciones, Sacrament of Wilderness y Sahara no fueron lo mejor de la noche pero sí valieron la pena, sobre todo la segunda que me recordó bastante lo impresionante que puede llegar a ser Toumas a la hora de componer. Luego tocarían una pieza instrumental, Last of the Wilds, misma que yo disfruté muchísimo ya que fue de las pocas canciones donde se pudo apreciar mejor la música de la banda.

Y finalmente “cerrarían” con Nemo, canción que esperaba mucho, y que me frustró bastante no poder escuchar bien el solo de Emppu gracias al pésimo sonido del lugar.

La banda se retiró, la gente los aclamó, y regresaron a tocar 7 Days to the Wolves canción que al parecer yo soy el único que no disfrutó tanto porque el resto de los presentes parecían bastante entusiasmados. El segundo encore fue Wishmaster, de las favoritas de los fans, y misma que fue increíble así como poderosa. Finalmente cerraron con Wish I Had an Angel, y el lugar estalló. Y no era para menos, no sólo es de las mejores canciones en el repertorio de la banda, sino que también es de las consentidas.

La banda se despidió, Jukka aventó las batacas, Marco y Emppu aventaron las uñas que les quedaban; todo mientras Anette se dejaba querer por el público.

Así terminaba un buen concierto, opadaco por el público y por el pésimo sonido del lugar, pero que fue rescatado por la banda. Mención aparte merece Jukka, ese señor es impresionante en vivo, no le hacen favor las versiones de estudio, pero en vivo es un monstruo. No sé, espero que la próxima vez que los vea sea en un lugar mejor y con otro tipo de público…

(Fotos tomadas de: http://flickr.com en lastfm:event=503525)

Increíble que ayer a menos de 6 horas del concierto no estaba seguro de si iba a ir, vaya, no tenía ni boleto. Y aún así me lancé al Auditorio con mis llaves y mi cartera que tenía cincuenta pesos. Sin embargo la vida me tenía una sorpresa, conseguí un boleto gracias a la nobleza de un conocido que tenía uno de sobra. Y sí, mientras esperaba a que llegara estaba debajo de la lluvia a las afueras del Auditorio Nacional preguntándome si sólo había llegado hasta ahí a perder mi tiempo. Y también aprovechaba para ver la gran gama de fans que tiene Dream Theater: desde la familia entera con chamarras de la banda, pasando por el metalero con la greña hasta la espalda y una playera de Morbid Angel, hasta el señor que se salió de la oficina y se puso encima de la camisa de vestir y la corbata una playera que se compró en las afueras del Auditorio. Sí, es impresionante cómo una banda que no es expuesta de manera constante en los medios (léase radio y MTV) tenga la capacidad de llenar un lugar como el Auditorio Nacional. Prueba inequívoca de que los fans de la música de verdad están más vivos que nunca.

A eso de las ocho con quince minutos de la noche —ya con mi boleto en mano— iba entrando al lugar con una sonrisa de oreja a oreja. Y mientras platicaba por la zona de comida y disfrutaba de un pretzel gigante, escuché que ya sonaba música, así que nos dispusimos a entrar y tomar nuestros lugares. Se trataba de Between the Buried and Me. Banda a la que trataron como teloneros de tercera: no les apagaron las luces, la mayoría de la audiencia no le prestó atención, y bueno, pasaron bastante desapercibidos. Tienen buenas cosas, música interesante y growls chingones, pero nada fuera de este mundo.

En fin, a las 21:15 horas salieron al escenario Myung, Rudess, Portnoy y Petrucci después de una larga espera. Y comenzaron a tocar así sin más, y poco después entró el buen James LaBrie a decirnos: “We’re Back!”

Abrieron con Constant Motion, rola que es poderosa y en vivo se siente de una manera diferente. Además de que prendió bastante, pero en especial al llegar a la línea: “Forever more into the night Blistering!” el lugar entero gritaba al unísono. Y después, LaBrie nos hablaría por única vez en la noche, pero dio un mensaje bastante efectivo, dijo: “esta noche no importa nada de lo que pase afuera, sólo importa lo que pasa aquí adentro”. Para después introducir la siguiente canción: Strange Deja Vu, ésta me gustó bastante en vivo, la canción por sí misma es excelsa pero esta vez la tocarían más pesada y con todo el sentimiento del mundo.

Inmediatamente vino otra canción que debido a mi estado de paroxismo total no logro recordar, la que sí recuerdo bien fue la cuarta canción Surrounded, otra que prendió bastante y que fue ejecutada de manera excelsa dejando todo listo para la siguiente canción que sería uno de los mejores momentos de la noche. Dark Eternal Night, donde se lució Petrucci —quien traía el pelo visiblemente más largo y hasta alaciado— quedando claro que lo mejor de la noche serían las canciones del último álbum, salvo otra que se llevó la noche.

Después vendría el momento de la nostalgia para los fans de antaño con las dos primeras partes de A Mind Beside Itself (Erotomania y Voices), haciendo del recinto una caldera de emociones. Todo para que llegara la cantable Forsaken, que a mi gusto fue increíble en vivo, y que probó ser de lo mejor que tienen en el repertorio. Además de que escuchar al Auditorio Nacional cantando a una sola voz el coro fue apoteósico.

Y posteriormente llegó el mejor momento de la noche con Take The Time canción que me puso la piel chinita, sobre todo en el instante en que la banda dejó de tocar para escuchar al recinto entero entonar: “If you take the Time”. Momentos como éstos se ven en vivo pocas veces y son de esas cosas que recordarás por muchos años.

Llegaría el turno de que la banda tocara In The Presence Of Enemies, partes I y II. Ésta es de lo más pesado que tiene la banda, por las letras, por los riffs y por el ambiente que crea. Prelude fue ejecutada de manera sublime, Ressurection tuvo un toque de dramatismo con la voz de LaBrie en vivo, pero aún faltaba. En Heretic la iluminación dio fuerza al estribillo, era imponente escuchar “Dark Master of sin now my soul is yours”. El clímax de In The Presence Of Enemies vendría en The Slaughter of the Damned en especial porque era majestuoso escuchar al recinto gritar los comienzos de las estrofas, que eran algo así:

“SLAY!
Spill the blood of the rebels
They are the children of hell
FLESH!
Of the undead
Stopping at nothing to kill”

Observar eso me dejó sin palabras; y finalmente The Reckoning y Salvation, culminaron no sólo la canción, sino que fue cuando la banda abandonaría por primera vez el escenario.

Todo para que volviera la banda a tocar el encore, o bis, que no fue otra cosa que un “popurrí” para complacer a los fans nostálgicos y ególatras. Popurrí que en last.fm unos usuarios lo titularon como el Orgasmedley. Que no es otra cosa que: I. Trial of Tears (Falling Into Infinity) II. Finally Free (Scenes from a memory) III. Learning to Live (Images And Words) IV. In the Name of God (Train Of Thought) V. Octavarium (Octavarium). Cosa que me dejó un sabor agridulce para ser sinceros, hubiera preferido que tocaran alguna de ésas de manera completa, de preferencia Octavarium.

Y así concluía un gran concierto, los integrantes se despidieron y la gente los vitoreó, y Portnoy nos dijo: “See you next time!”

Fue uno de los mejores conciertos a los que he asistido, empatado quizás con el de Porcupine Tree del año pasado y con el de Roger Waters del 2006. Lo cierto es que la pasé muy bien, y en especial porque fui sin saber si iba a entrar a verlos y regresé con una de las mejores noches de mi vida. Nightwish la tiene difícil este sábado…

Si hay un tema polémico en el metal, éste gira siempre en torno a bandas que tienen a una mujer liderando las voces. Si bien Nightwish no comenzó con esta adición femenina al metal, sí fue el punto de partida para que dentro de un género que no fuera el gótico las mujeres hallaran un espacio. A muchos fundamentalistas del metal les parece una aberración que una mujer sea quien cante en temas netamente clásicos o incluso progresivos, otros con la mente un poco más abierta encontrarán en esta idea un elemento novedoso y genial.

Así es como nació Ebony Ark, una banda española de power metal con tintes progresivos. Algunos han llegado a creer que es gótica, pero esto se debe a que, por alguna razón, casi todo mundo piensa que sólo el metal gótico –y en dado caso el sinfónico- acepta voces femeninas. A contrario de lo que se pensaba hasta entonces, en 2004, ya consolidada la banda, Ebony Ark presentó su primer demo que incluía sonidos veloces y complejos, todo esto de la mano de una voz femenina muy singular. En octubre de 2004 Ebony Ark lanzó su primer disco, Decoder, donde se lanzaron a una gira por toda España, cosechando un éxito modesto pero a la vez interesante para su primera producción discográfica. Pasó el tiempo y la idea de continuar en la línea de su disco inicial, para el 2006, no obstante, a finales del año 2005 la empresa discográfica se declaró en quiebra, provocando la ruptura de la idea iniciar del que sería su segundo disco, Decoder 2.0.

Ascendance Records los acogió y de mano de esta nueva productora, Ebony Ark decide lanzar en abril de 2008 su más reciente producción: When te city is quiet. Un disco que deja ver todo el potencial y el poder de esta banda, siempre con sonidos veloces, frescos que lo mismo mezclan elementos power con elementos progresivos, y, por sobre todo, una voz desgarradora y única de su vocalista, Beatriz Albert, quien por cierto tiene un buen inglés (como cosa rara en los españoles).

If only es la canción con la que comienza este disco, y desde el primer momento podemos intuir cómo será el resto del disco: poderoso, rápido y muy sólido. En este tema tenemos un primer acercamiento con la particular voz de Beatriz, que no se contenta con tener un lindo color, un más que interesante registro, y una clara tesitura enclavada en los puntos más agudos, sino que prefiere ofrecernos una interpretación violenta, que dista mucho de lo que normalmente escuchamos. Sí, ella puede cantar ópera o una balada, pero desde el primer momento vemos cómo ella se arriesga a hacer algo diferente y hasta exagerado (no siendo esto algo peyorativo). Por lo demás, la canción es genial.

El trabajo continúa con una canción más melódica, Ecstasy, que cuenta con un estribillo bastante destacable, y que se encuentra trazada por una línea delicada que de a ratos se vuelve poderosa, nunca dejando atrás la consistencia que caracteriza al disco. La voz de Beatriz muestra tonalidades más amigables, demostrando así que no es necesario hacer alardes de grandeza para demostrar el buen nivel vocal.

So close, so far, es quizá la canción que da inicio con los sonidos más progresivos de esta banda. Cuenta con una atmósfera bastante dramática y profunda, y una melodía que nos puede recordar un poco al sonido más evolucionado de Sonata Arctica. Aquí nos encontramos con muchas variaciones y cambios de ritmo, pero nunca dejando atrás el medio tiempo que lidera este tema.

Con Endless road se aumenta la velocidad del disco pero no se deja atrás el sonido progresivo. Quizá lo más destacable en este tema es un estribillo bastante más pegadizo y destacable que el que se hallaba contenido en su predecesora, además de un solo de guitarra que si bien es corto, suena interesante.

Sincerely es otro medio tempo, sólo que hasta el momento, éste es el tema más evocador y calmado de todo lo que va del disco. Aquí Beatriz prefiere mostrar su faceta más tierna y encantadora. A manera de resumen, la canción merece un calificativo muy específico: hermosa.

No me gusta el título del siguiente tema: True friendship never dies. Me parece que es demasiado rebuscado, pero menos mal un título no hace al tema. En esta ocasión unas guitarras muy graves y una batería constante marcan el ritmo poderoso que llega a explotar en uno de los mejores estribillos de todo el disco.

Were here now es lo que muchos torpes podrían definir metal gótico, estilo Epica (que ni es realmente gótico, pero bueno…), sólo porque en momentos aparecen growls –bastante mal ejecutados, por cierto-. La música es buena, lo mismo que la ejecución vocal de Beatriz. Me parece que el punto débil de esta canción son las voces guturales, y no porque yo sea de esa clase de personas que le teme a los growls, sino porque incluso esos gruñidos tienen su forma y estilo de hacerse. El punto bueno: que fuera de eso, todo el tema es muy destacable.

Sigue Redemption, y en inglés definiríamos esta canción como algo sumamente cheesy, y es que es así: muy melódica, muy cantable, muy “comercial”, con el mejor estribillo de todo el disco. Lo que algunos llamarían la traición al progresivo, lo llamo yo como una de las tantas confirmaciones de que la música necesita de estas canciones pegajosas y edulcoradas. Es algo así como el Amaranth de Ebony Ark.

For you es una de las baladas más preciosas que he llegado a escuchar en mucho tiempo. Este tema es profundamente calmado, evocador y hermoso. La voz de Beatriz es igual que la música: sublime. El piano que va marcando todo el tema es un genial elemento que da paso para el coro más bello de todo el trabajo. Hasta este punto, ésta es mi canción preferida, porque muestra cómo se debe hacer una balada para que ésta no suene insulsa ni pop.

Enough is enough sigue en la línea pegadiza, o cañera como dirían los españoles. Además podemos escuchar en ciertos momentos los tonos más operísticos de Beatriz. El estribillo, como ya ha sido la constante en la recta final del disco, vuelve a ser muy pegajoso.

Out in the cold es mucho más madura y seria que sus predecesoras, y no sé por qué me sigue pareciendo que los momentos más progresivos y oscuros de este trabajo tienen cierto aire de Unia, de Sonata Arctica, quizá por las guitarras graves y los sutiles teclados que adornan el trasfondo de la música. No obstante la aparente complejidad del tema, volvemos a hallar un coro de esos pegadizos con la marca de la casa.

Y casi cerrando el disco nos encontramos frente al tema más largo de este trabajo, y que le da título al álbum, When the city is quiet, una canción épica de casi siete minutos, y sin duda es la más ambiciosa musicalmente. Comienza con un ambiente oscuro en donde aparece la voz lírica de Beatriz, que luego se centra en registros más graves y violentos. En ciertos momentos parece que la música quiere explotar, pero se contiene, dando así ese elemento progresivo que contempla los constantes cambios de ritmo, de sonido y de vocalización. No es sino hasta el minuto 3:30 cuando llega el momento más bello, el estribillo, con el que también finaliza el tema de manera apoteósica. Sin embargo aún queda mucho tramo por recorrer, y en él podemos hallar una infinidad de elementos que le confieren a la canción una genialidad innata. Y, a riesgo de sonar repetitivo, el final no podía ser mejor ni menos bello.

El disco termina con A merced de la lluvia, que es la versión castellana de un viejo tema de estos españoles, Searching for an answer. Puedo decir que nunca antes el metal en español había sonado mejor. La canción anterior dejaba una expectativa tremendamente alta para final el disco, y no pudo ser menos orgásmica su conclusión: un tema muy “cañero”, hiper cantable, y una letra bastante bella. Con esta canción pude constatar que, después de todo, el español sí sirve para hacer metal liderado por una mujer (hasta el acento me gustó, y eso ya es decir mucho).

En todo lo que va del año, éste ha sido el disco que me ha dejado más gratamente sorprendido –incluso más que The Scarecrow, más que nada porque de ése ya esperaba algo bueno. Desde el primer momento logré quedar hechizado con la voz de Beatriz porque no es la clásica soprano que prefiere vanagloriarse con sus tonalidades más líricas, sino que muestra a lo largo de todo el trabajo las distintas facetas de su voz, que pueden ir desde tonos muy elevados, hasta graves, pasando por sus elementos más desgarradores, que quizá a muchos les parecerá algo pretensioso.

Ebony Ark es, a fin de cuentas, una gran promesa para el metal, y nos muestra cómo se pueden abrir nuevos horizontes dentro de la música, y When the city is quiet, no es sino uno de los mejores y más frescos trabajos de este 2008.

PD. Comparación obligada: Beatriz > Tarja.

8.6/10

Si quieren ahondar en el tema se pueden dirigir al comunicado oficial o a este blog donde encontré el texto traducido para los que les dé hueva leer en inglés o de plano no sepan.

En vísperas de la separación de Stratovarius, Tolkki sacó un disco en solitario, una “ópera clásica rock”, del que hice un review hace poco.

Esto lo escribí en last.fm en inglés antes de que Stratovarius se separara y antes que Timo Tolkki empezara a llorar por las críticas que se le han hecho a su disco:

Si en el pasado me hubieran preguntado quién es Timo Tolkki, seguramente habría dicho que es uno de los más virtuosos guitarristas neoclásicos dentro de la escena metalera actual. Todo mundo conoce su nombre gracias a su ya muerta banda: Stratovarius, que es, probablemente, nada más que uno de los pioneros del actual power metal, y por aquellos tiempos era una referencia para el género. Como resultado de eso, y también a causa de la natural ambición musical de todo compositor, él empezó un proyecto en solitario donde él mostró nuevamente que seguía siendo un brillante guitarrista.

El tiempo lo cambia todo, y también es natural la evolución musical. En su MySpace Timo dice que está abierto a cualquier tipo de música, y no tengo duda de eso después de escuchar su último disco, “Saana - Warrior Of Light, Part 1: Journey To Crystal Island” oficialmente catalogado como una ópera rock clásica (¿?).

¿Qué esperarían de un héroe de la guitarra? Probablemente su respuesta sería algo como: un álbum con impresionantes riffs y poderosas melodías llenas de solos épicos de guitarra. Algo que puede ser un poco repetitivo para un tipo como Timo, pero creo que todos estamos de acuerdo en que un gran trabajo con la guitarra es lo menos que podemos esperar de él. Pero Saana… carece de eso y más.

En Saana... ¡no hay señales de una guitarra! Quizá dos o tres veces una tímida guitarra acústica aparece al principio o final de alguna canción. Parece que Timo olvidó lo que significa el “rock”. Todo el CD (y cuando digo todo, digo todo) es un completo aburrimiento dominado por un mal y constante teclado y la linda voz de la cantante, Jennifer Sowle. Ella puede tener una buena voz, pero es un hecho de que una voz no hace a todo el álbum. Algunas veces hay percusiones que un niño de doce años podría tocar fácilmente.

Algunos dicen que este CD es hermoso y sutil, pero están equivocados. Este disco es lento, aburrido y hace parecer a Enya brutal death metal. Es por eso que no gastaré mi tiempo describiendo cada canción o escuchando una vez más este pésimo álbum lleno de basura musical. Si son valientes, vayan y denle una oportunidad al CD, pero creo que es suficiente con ver la horrenda portada.

2/10

Ahora Tolkki ha publicado un post en su MySpace lloriqueando a causa de la poca aceptación que ha tenido Saana. A continuación reproduzco parte de su mensaje:

Después de haber escrito la historia hace dos años, supe inmediatamente que sería una historia que dividiría a la gente (…) Encontré un un review que estaba hecho por algún blackmetalero de 20 años. Se pueden imaginar qué escribió sobre Saana. :) Por alguna extraña razón olvidó mencionar algo sobre la historia de Saana. Esa historia incluye virtudes tales como el amor, el respeto, la tolerancia, la empatía y la bondad, que creo que actualmente están muy olvidadas. Y en los reviews parece que la gente se está riendo de esos valores. Creo que esto muestra algo sobre qué tan lejos hemos llegado y qué tan violentas son las circunstancias actuales. En este punto de mi vida y mi carrera no me importa lo que la gente escriba o diga sobre mí o mi música.

Todo son acusaciones absurdas hacia mí y estoy acostumbrado a recibir un montón de malos comentarios, pero esto ha sido lo peor. ¿Saben ustedes lo que esto me dice? Me dice que he creado algo importante. Y que este álbum no es para todo mundo. Diría que este es un álbum para la gente que aún tiene corazón. Y todavía hay muchos, gracias a Dios (…) no puedo decir lo mucho que esto significa para mí y para el mensaje que estoy esparciendo con Saana. Mucha parte del dinero que genere Saana irá a una fundación que crearé, que estará luchando con cosas espirituales y ambientales de nuestro tiempo. Parece que hay muchos Guerreros de la Luz allá afuera, y ustedes son necesarios en estos tiempos oscuros.

Ahora mi respuesta hacia Timo y para todos los tontos que piensen como él:

En primer lugar, la música poco tiene que ver con una historia y con la calidad humana. El trabajo de Timo no es hacer bellas historias, es hacer música. Si quiere escribir cosas lindas que publique un libro, pero que no comprometa la calidad musical de sus composiciones con una historia que, por cierto, muy poca gente leerá. Sí, existen discos conceptuales, pero el mismo concepto en sí mismo no es todo el disco, el concepto lo complementa, pero nada más. Un material discográfico con buenas letras, pero con un pésimo sonido no tiene sentido de ser. ¿Si no para qué es un disco? Bien pudo ser un poemario o cualquier otra cosa. El principal motor de un disco es la música, y parece que el anancefálico de Tolkki no lo ha comprendido.

Él dice que Saana es un disco para la gente que aún tiene corazón. Y si seguimos su lógica, la gente a la que no le gusta el disco no tiene corazón. En primer lugar, uno puede compartir los valores cursis de Tolki, pero puede sentir repugnancia por el sonido del disco. Otra opción puede ser no compartir esos valores y apreciar la música. Se pueden hacer múltiples combinaciones. Pero lo que no se puede hacer –y eso debería entender el dizque buena onda de Tolkki- es juzgar a la gente sólo porque no le gustó su disco. Él mismo lo dijo en el comunicado donde anuncia que Stratovarius se separa definitivamente:

“No es fácil decirle a alguien que no te gusta su música. A vosotros, chicos y chicas, no os gusta toda la música, ni a mi tampoco. Ni a Timo Kotipelto”.

“No soy nadie para decir lo que es buena y mala música, pero puedo decir la música que me gusta. Y el material de Timo Kotipelto simplemente no me atrae”

Y así como no es nadie para decir qué es buena o mala música, tampoco es alguien para decir quién tiene corazón (lo que sea que eso signifique) y quién no. La historia es lo de menos. Yo no planeo leerla, pero si por alguna razón lo hago en un futuro, que el bobo de Tolkki no crea que sólo por leer su magnífica obra cambiaré de opinión musical. Por ejemplo, la mitad de las letras de canciones de power metal son ridículas, y sólo hablan de dragones escondidos en el bosque de la perdición custodiado por el druida del destino, pero al menos la música suena bien. “Save us now” es una canción magnífica de Edguy que habla sobre un conejito alienígena que toca la batería muy rápido, y que por sí misma es mejor que cualquier cosa que haya compuesto Tolkki en su patética ópera clásica rock (hola, el rock necesita guitarras eléctricas, sí o sí).

Lo de este señor no son más que lloriqueos y una muestra de su enorme déficit de inteligencia. O es que simplemente el tratamiento durante su crisis nerviosa antes, durante y después del disco “Stratovarius”, no le dio ningún resultado. De ese modo sería bueno canalizarlo con algún buen psicólogo o a algún centro de atención a niños índigo, porque seguramente él se ha de considerar uno.